pelloche

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lundi 17 avril 2017

Dyke hard: tröm'arc en ciel

 
Les éditions Outplay m'ont fait le grand plaisir de me faire parvenir le DVD d'un film sur lequel je lorgnais dès l'annonce de sa sortie, à la simple vue de sa sémillante jacquette, le film suédois et hautement barré Dyke Hard.

En effet, difficile de résister à une telle avalanche de "mauvais" goût d'excellente facture: du glam rock avec perruques et spandex fleurant bon les souvenirs émus de Jem et les hologrammes, des arts martiaux, des couleurs qui flashent, une typo so 86 et un titre-jeu digne des meilleures productions Troma. En bonne amatrice de ces dernières productions, de John Waters et de cinéma queer survolté, quelque chose me disait que ce film allait me plaire.


Dyke Hard, c'est l'histoire d'un groupe de rock féminin déclinant qui veut retrouver les chemins de la gloire et, pour cela, participe à un concours. Mais les embûches sont nombreuses, entre une maison hantée, un étrange complot et une effroyable ancienne chanteuse en mode Terminator. Même le pitch super foutraque n'était qu'une promesse de délicieux divertissement.

Outplay ne s'était pas trompé: j'étais bien la cible idéale de ce film de Bitte Andersson.

D'abord parce que Dyke Hard est un film Z revendiqué, qui porte haut son étendard coloré de film queer et fauché. C'est avant tout le film avant tout le film d'une communauté suédoise qui a décidé de s'amuser, malgré les tout petits moyens, et qui nous fait partager son plaisir. En effet, tout a commencé par une annonce posée par la réalisatrice dans une librairie, recrutant des volontaires pour réaliser un film à petit budget, comme un projet culturel pour rassembler la communauté locale. Ce film est donc le fruit du travail de nombreux non-professionnels et le fait d'assumer complètement le manque de moyen pour s'ancrer résolument dans le Z fait preuve d'un excellent choix de positionnement de la part de la réalisatrice.



Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si ce choix s'est porté sur un film de genre foutraque: Bitte Andersson vient d'un univers que les zinéphiles connaissent bien, puisqu'elle a travaillé dans les studios du Xanadu du Z, Troma.

Les studios Troma sont responsables de films de genre, souvent fantastiques, aux budgets aussi serrés que les combis en skaï de ScarJo et à la distinction qui donnerait des crises cardiaques à Cristina Cordulla: Toxic Avenger, Tromeo et Juliette, Cannibal The Musical. Au programme, des effets spéciaux en mode DIY, des acteurs au talent contestable, des scénarii à la waneguène (comment ça, ça se dit plus, waneguène?), et beaucoup, beaucoup de fun.

Dyke Hard ne renie rien de cet héritage et utilise les mêmes recettes de Gloubiboulga follement jouissive: du glam-rock, du film de prison, de la comédie musicale, du teen-movie, des fantômes, de la SF, du taekwondo, de l'amitié et de l'amour. c'est foutraque, ça va n'importe où, n'importe comment, ça joue comme ça peut mais c'est du fun en barre. Tout le monde donne l'impression de s'éclater comme des fous et c'est terriblement communicatif.



L'autre influence qui me semble planer sur ce film, c'est celle de notre bien-aimé John Waters. Le même vision de la sexualité débridée et décomplexée que le moustachu, la même drôlerie régressive, le même goût du mauvais goût, la même façon de l'ériger au rang d'art, le même amour des personnages hauts en couleur, la même joie visible à l'écran.

Alors oui, Dyke hard, parce que c'est un film communautaire, a quelque longueurs tout à fait compréhensibles: quand des gens acceptent de participer bénévolement, voire à aider à financer un tel projet, c'est difficile de couper la scène où ils apparaissent, donc cela reste à mon sens relativement acceptable.



D'autant que malgré quelques côtés "Amateur" et le petit budget, il y a quelques morceaux de bravoure qui me donnent bien envie de suivre ce que va faire Bitte Anderssen par la suite: des effets visuels numériques tout à fait honorables, du SFX DIY d'excellente facture, et de l'audace de mise en scène par moment qu'on attendait pas forcément dans un tel film.

Aucune raison donc de bouder son plaisir devant ce film ludingue (ludique et dingue, j'ai décidé que ce mot existait) dont la seule ambition est de nous faire partager le plaisir pris à le faire. En ce qui me concerne, l'objectif est atteint.










dimanche 26 mars 2017

Le ciné-club de Potzina: Metropolis, rétrofutur en action



Ce mois-ci, Bangarang Daily a proposé un thème pour le cinéclub qui ne pouvait que me faire plaisir: le cinéma d'animation japonais. Déjà, parce que la japanimation, comme beaucoup de gens de ma génération bercés au Club Dorothée, je suis tombée dedans quand j'étais petite, mais aussi parce que l'animation japonaise a fourni un nombre impressionnant de films passionnants dans des registres très variés, de la science-fiction au biopic en passant par le mélo, le conte fantastique ou la comédie romantique. Elle a également permis de révéler de grands auteur de cinéma: Miyazaki, Otomo, Tezuka, Takahata ou Oshii.

Le film que j'ai choisi est Metropolis, de Rintaro. Metropolis, c'est un peu le fantasme ultime de l'amateur d'animé et de science-fiction, le rêve éveillé du geek, parce qu'il n'est fait que des meilleurs ingrédients.



Bien évidemment, c'est d'abord le remake inspiré d'un des meilleurs (si ce n'est le meilleur) film de science-fiction de l'histoire du cinéma: le Metropolis de Fritz Lang. On retrouve l'histoire principale issue du roman de Thea Von Arbou: une ville futuriste à l'organisation verticale aussi bien sociale qu'architecturale qui écrase les ouvriers dans ses bas fonds et porte les élites au firmament, dominée par une immense tour, le Ziggurat, cousine technologique de la Tour de Babel. Au sommet de cette tour, un industriel milliardaire qui ne se remet pas de la perte de sa fille et qui va vouloir lui donner l'immortalité sous les traits d'un robot humanoïde, avec l'aide d'un savant plus ou moins bien attentionné. Cette femme-robot est, telle Pandore, la première femme, l'être le plus innocent mais aussi le plus dangereux qui ait été créé.

Metropolis s'inspire donc de ce chef d'oeuvre aussi bien au niveau scénaristique que visuel. On retrouve bien l'esthétique art nouveau du film, les décors imposants mais aussi des formes filmiques issues du cinéma expressionniste, des plans avec des caches pour mettre en avant des éléments et une scène de transformation qui utilise le même procédé de superpositions d'images (en même temps, bandes de petits malins, vous pourriez me rétorquer que le cinéma d'animation est basée sur des superpositions d'images et vous auriez bien raison). Pour tous les amateurs de l'original, c'est donc un vrai cadeau.

Comparaison du blog The film Connoisseur


Mais si vous êtes fan de japanimation et en particulier de SF, là, on touche la crème de la crème à se demander comment ce film n'ai pas réussi à faire un carton vu le générique de rêve qu'il proposait.

A la réalisation, Rintaro, formé chez Tezuka, qui n'est rien moins que le réalisateur des séries TV cultes Galaxy express 1999 et Albator, le corsaire de l'espace, qui depuis longtemps fait preuve d'une véritable expertise en science fiction.

Derrière le scénario, rien moins que 2 immenses maîtres. D'abord parce qu'on est ici face à l'adaptation animée de la bande-dessinée du même nom d'un monstre du manga, Osamu Tezuka. Tezuka, c'est le Walt Disney du Japon des années 60 aux années 80. Il a notamment créé 2 héros mythiques: Astroboy et le Roi Leo. On reconnait là son style graphique plein de mignonnerie, avec des personnages aux yeux immenses et au petit nez rond, solidement ancrés à la terre sur leurs gros pieds. Le jeune héros est par exemple le portrait craché du petit robot Astro et on s'attend à le voir décoller sur ses jambes-fusées d'une minute à l'autre. Rintaro avait commencé sa carrière dans les studios de Tezuka. C'était donc bien l'héritier idéal pour mettre en avant les images de son Sensei.



Enfin, l'autre grand nom du générique, aux manettes du scénario, ce n'est rien moins que Katsuhiro Otomo. Oui, le papa d'Akira himself. Pouvait-on trouver mieux pour compléter ce trio cultissime? En même temps, rien d'étonnant à ce qu'il s'intéresse à une telle histoire: une figure de l'innocence qui se révèle être une arme fatale? Une mega-cité au bord de la révolte? Le trauma d'une menace atomique? Ça vous rappelle quelque chose? Comme un petit garçon victime de dangereuses expériences scientifiques? Et oui, il y a entre cette version de Metropolis et Akira un vrai lien de parenté et on sent bien qu'Otomo a trouvé là le matériau idéal pour développer ses obsessions.



Le résultat est un film passionnant où ces différents talents se conjuguent de manière détonante et créent un véritable monstre cinématographique. La noirceur profonde du scénario d'Otomo contraste foncièrement avec l'esthétique enfantine et adorable de Tezuka, développant une atmosphère où une violence apocalyptique semble surgir soudainement dans un monde de dessins animés pour enfants, où une architecture totalitaire en images de synthèse exerce son pouvoir sur des hommes et machines en celluloïd plein d'une mignonne bonhommie. Ce contraste, qui fait pour moi la grande force du film, est peut être la raison pour laquelle ce film a eu si peu de retentissement par chez nous, les gens le prenant par erreur pour un film pour enfants, alors qu'il est bien destiné avant tout à des adultes, il a bien eu du mal à trouver son public.



C'est d'autant plus dommage que Metropolis est une véritable réussite sur tous les plans: c'est un film au message social fort, qui s'interroge sur les statuts de l'homme et de la machine, ainsi que du pouvoir. C'est aussi un film très émouvant, une fresque incroyable. C'est aussi un grand film de cinéma, formidablement réalisé, accompagné de la musique entêtante de Toshiyuki Honda. Et on y trouve une des plus belles scènes de climax au son de la superbe chanson de Ray Charles, I can't stop loving you.

Et un remake d'un chef d'oeuvre qui parvient non seulement à être presque à la hauteur de son prédécesseur tout en parvenant à en faire quelque chose de différent, c'est bien assez rare pour se priver de voir ce petit bijou.


Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook.


dimanche 19 mars 2017

Loving: what's in a name?



Je ne résiste jamais à une belle histoire d'amour, encore moins à une belle histoire d'amour au carré, soit un beau film film sur une belle histoire d'amour. Parfois, rien n'est plus vibrant qu'un bon vieux mélodrame, un qui, contre toute résistance, fait jaillir les larmes, un qui vous accompagne après la séance, et vous fait tomber amoureux de l'amour. Y'a pas loin d'un an, c'était Carol de Todd Haynes qui me piquait les yeux. Cette année, c'est le magnifique Loving de Jeff Nichols.

Mildred Jetter va avoir un enfant de son petit ami, Richard Perry Loving. Il la demande en mariage. Tout cela devrait se poursuivre par "ils vécurent heureux et eurent beaucoup d'enfants". Sauf que Meldred est noire, Richard est blanc, on est en 1958 et en Virginie. Et comme on le voit encore aujourd'hui, il y a toujours des gens bien intentionnés pour décider à votre place de la légitimité de votre union.

J'ai finalement assez peu de choses à dire sur Loving. Pas qu'il ne soit pas intéressant, loin de là, mais plutôt parce qu'il est d'une telle simplicité, d'une telle évidence, d'une telle frontalité et immédiateté qu'il semble échapper à l'analyse pour se placer sur un terrain résolument émotionnel. C'est un film que j'ai reçu directement au coeur, et il m'a été très difficile de prendre du recul face à lui.



Parce que dès les premières images, ces bien-nommés Loving, je les ai aimés. Une scène toute bête, toute simple, mais d'une telle force réaliste que c'en est dévastateur. La nuit, on est en plan rapprochés (comme souvent dans le film), on laisse le temps aux personnages de s'exprimer, parce que ça ne sort pas tout seul, parce que parler des sujets importants, ça n'est pas facile. Et cette jeune femme, timidement, avec l'incertitude de toutes les jeunes femmes qui doivent annoncer une telle nouvelle à leur compagnon, avec la crainte de le voir se mettre en colère ou de le perdre, les yeux qui hésitent entre le sol et le visage face à elle, dit à son amant qu'elle est enceinte. Il suffit de cela pour qu'avec elle, on scrute le visage impassible de son partenaire, qu'on sente tout le poids de l'attente de sa réponse, qu'on appréhende avec elle sa réaction qui tarde tellement à venir. Et lorsque ses lèvres jusqu'alors immobiles se retroussent en un léger sourire et qu'il répond tout simplement "C'est bien", c'est un un vrai soulagement et je crois que c'est là que j'ai écrasé ma première larme (la première d'une longue série). C'était tellement authentique, direct! Une intimité filmée avec tant de respect, d'élégance, à la bonne distance. Dès lors, j'ai mis la machine à analyse sur pause, et je me suis laissée emportée.

C'est déjà dans cette distance à la fois respectueuse et très intimiste que Jeff Nichols réalise tout de suite un beau film. Parce qu'il ne la quitte jamais. On reste toujours au plus près de ces deux personnages, mais sans que cela ne devienne jamais intrusif. Il y a de nombreux écueils dans lesquels Loving aurait pu tomber: en faire un film de procès retentissant et militant, en faire un mélodrame misérabiliste, en faire un Roméo et Juliette revisité, en faire un film bavard qui oublierait le principal: la relation entre les deux personnages. Jeff Nichols les évite tous. avec brio, sachant se recentrer constamment sur le couple et les liens qui le soude.



Bien évidemment, Nichols continue de filmer de manière à la fois classique et onirique un sud qu'il avait déjà su magnifier avec le très beau Mud. Il parvient aussi à instiller dans le récit une atmosphère lourde de menaces sourdes, qu'on ne sait pas bien identifier, mais que l'on ressent constamment planer au-dessus des Loving, alors même que l'on sait que l'issue sera positive. La seule chose que je pourrais reprocher à cette réalisation, c'est l'utilisation trop systématique de musique, qui montre peut-être un manque de confiance en la force émotionnelle du film. Vraiment, pour moi, elle n'était, la plupart du temps, vraiment pas nécessaire.

L'autre belle réussite de l'écriture, c'est celle des personnages. Jeff Nichols n'essaie pas de faire des Loving des héros, mais c'est ainsi qu'ils le deviennent. Les Loving ne sont pas des figures politiques, des porte-bannière, des revendicateurs. Ce sont simplement deux amoureux contraints à se cacher et à devoir se battre pour le simple droit de vivre ensemble, chez eux, et d'élever leurs enfants dans les conditions qui leur semblent les plus justes. Surtout, les Loving sont de grands personnages du cinéma parce qu'ils correspondent exactement à sa grande devise: "show, don't tell". Et ils sont écrits de manière si pointilliste que même le "show" est laissé à l'observation attentive du spectateur. Toujours grâce à cette distance juste qu'a trouvé Jeff Nichols, on apprend à connaître Mildred et Richard tout au long du film, par leurs réactions, leurs gestes, leurs actions. Mais la grande intelligence de Nichols est de ne pas tout nous donner. A la fin du film, il reste des interrogations sur les personnages, des choses que l'on ne sait pas, de belles lacunes qui en font plus que des personnages, qui en font de véritables personnes.



Moi qui ai un goût tout à fait modéré des biopics, j'ai trouvé que ce sanctuaire laissé au personnage, cette façon d'accepter que tout n'a pas à être expliqué, démontré, était une exceptionnelle marque de respect aux vrais Loving, tout comme le photographe de Life que joue Michael Shannon dans le film parvient à capter leur intimité sans s'y immiscer. Et là, on peut dire que ça y est, j'ai enfin aimé un biopic (et ceux qui me connaissent savent que c'était loin d'être gagné).



Quant aux dialogues, ils correspondent tout à fait aux personnages, qui ne sont pas des gens qui cherchent à maîtriser une communication orale, et qui ont une économie de parole efficace et incroyablement puissante, en particulier Richard: ils ne parlent que pour dire des choses importantes. En cela, Richard est absolument bouleversant: un homme de son époque, un taiseux, qui n'exprime que très rarement ses émotions mais qui fait tout pour donner à sa famille les moyens de vivre heureuse. Il ne dit pratiquement rien, mais le peu qu'il dit a une portée émotionnelle foudroyante.

Et bien évidemment, pour incarner des rôles aussi magnifiques, il fallait des comédiens non moins exceptionnels. Rarement j'ai vu, de ma vie, une telle implication auprès du personnage, un jeu aussi subtil, un tel respect, une nouvelle fois, des personnes réelles incarnées. Ruth Negga incarne un mélange parfait de douceur et de détermination et Joel Edgerton est tout simplement terrassant de véracité. On est dans un jeu d'une subtilité extrême, qui se situe à un niveau parfois infime et en tire toute sa puissance: et il y a plus dans le tremblement d'un menton, dans le frémissement d'une joue que dans tous les plaidoyers jamais écrits.



vendredi 10 mars 2017

T2: Rust for life


Juin 1997: C'est bientôt le bac de Français. Mais Ok Computer sort et c'est la fête du cinéma: on va pouvoir se gaver de films pour 10 balles (et à l'époque, 10 balles, c'était 1,50 euros). Avec les copains, on traîne nos docs et nos 501 de séance en séance. Pour que personne ne se sente lésé, on choisit chacun à notre tour le film qu'on va voir. Je suis excitée, c'est mon tour. On va voir Trainspotting. Du film, je n'ai vu que la photo hallucinante d'un gars sortant la tête d'un chiotte dégueu, et la très élogieuse critique de Première. Juste avant, on a vu Un vampire à Brooklyn et je me dis que ça peut pas être pire. La salle s'éteint, "Lust for life" retentit et notre vie va changer. Dès lors, une voix, tout comme celle de Thom Yorke dans Karma Police,  va faire écho à notre terreur d'un avenir normé et déjà tout tracé et mon coeur va traverser la manche quelques années avant mes chaussures à semelles de caoutchouc.

Petit souvenir de cette soirée entre gens de bon goût
20 ans plus tard. La même paire de doc, c'est pas la fête du ciné mais c'est la fête quand même. A St Etienne, le Collectif Mcdts (joli acronyme) a décidé d'organiser une soirée Trainspopcorn, avec la projection de Trainspotting et, en avant-première, de sa suite T2. Nostalgie et nouvelle excitation: savoir ce que sont devenus Renton et sa bande, et s'ils ont aussi bien vieilli que nous.



Pour cette suite, je ne m'attendais pas à un film à la hauteur du premier Trainspotting avait été un choc, une mini-révélation, et j'aurais été bien présomptueuse d'en attendre autant de la séquelle. Je ne demandais qu'une chose: qu'elle ne gâche pas le souvenir ému que j'avais du film original.

Mark Renton, vingt ans après avoir arnaqué sa bande de potes et avoir disparu avec le magot, revient à Edimbourg. Il retrouve son père et apprend le décès de sa mère. Il retrouve également ses anciens acolytes Spud et Sick Boy. Au même moment, Begbie s'échappe de prison. En 20 ans, beaucoup de choses ont changé. En est-il de même pour nos 4 héros écossais?

Je dois bien avouer qu'à la fin de la séance, les avis étaient très partagés entre les déçus et les soulagés. Pour ma part, je me situe clairement dans le camp des soulagés. D'abord par que Danny Boyle n'a pas, à mon sens, trahi Trainspotting. Mais surtout parce que j'ai été très émue par le désenchantement de ce film, et le trajet de ses héros vieillissants.



Déjà, l'oeuvre de base Trainspotting avait pour protagonistes une génération qui n'était déjà plus en phase avec son environnement et qui trouvait refuge dans la fuite, par la drogue ou par l'abandon. C'était déjà la génération du rock et de l'héroïne se faisant dépasser par celle de l'exta et de la techno, vivant dans un passé idéalisé, refusant de voir autour d'elle la société changer et encore plus d'y participer. Une génération qui comme le trainspotter, regardait passer le train de la vie, sans jamais monter dedans au risque de rester abandonné sur le quai. Des personnages bien ambigus aussi, qui passent leur temps à fermer les yeux et se boucher les oreilles. Du genre qui prend position contre la société de consommation (le fameux monologue de Choose Life en est l'illustration), mais qui passe ses journées à trouver les moyens (et souvent pas les plus dignes) de se payer leur addiction, qui peste contrel'individualisme mais qui, à la première occasion, n'hésite pas à abuser de la confiance d'un proche, qui affiche le nihilisme mais, à part pour le psychopathe de la bande qui n'a aucun remord, a besoin d'un shoot pour pouvoir oublier combien il se déteste. Et tout, dans Trainspotting, nous montre que l'avenir de ces personnages risque de n'être pas bien glorieux.

Et en ce sens, T2 respecte tout à fait ses protagonistes en répondant bien au dilemme suivant: quel avenir pour les No Future? Tous les personnages de T2 ont essayé d'échapper à un moment à leur destin et ont malheureusement échoué. Renton a fui aux Pays-Bas pour tenter de "choisir la vie" mais il est de retour au pays et au point zéro. Le début du film impose ironiquement l'image d'un Ewan Mc Gregor vieillissant, luttant contre un tapis roulant et terminant sa course face contre terre comme contrepoint à la mythique scène d'ouverture de Trainspotting ou, tout jeune et fringuant (et diablement sexy ndlmidinette), il dévalait les rues d'Edimbourg s'arrêtant net devant une voiture, un sourire insolent aux lèvres. Renton, qui s'est marié puis a divorcé, a eu un poste de comptable puis l'a perdu, une maison qu'a repris son ex, se voit dans l'obligation de revenir dans une ville qu'il a fuie et qui a depuis bien changé sans lui, dans sa chambre inchangée de la maison familiale, menacé par un psychopathe qui pense qu'il est responsable de son propre parcours navrant.

En effet, au début du film, Begbie est bien là où on pensait le retrouver: en prison. Il a bien fondé une famille, mais il est voué à l'impuissance et à de minables cambriolages. Sa femme et son fils ont peur de lui, comme tout le monde, d'ailleurs, parce qu'il faut dire qu'il n'est pas à moitié flippant. Son propre avocat est terrifié à l'idée de se présenter à lui.


Sick Boy, qu'on appelle maintenant par son prénom Simon, l'autre lésé de l'affaire et ancien meilleur pote de Renton, a bien essayé de reprendre le pub de ses parents et d'avoir une petite amie sérieuse, sauf qu'il a troqué l'héroïne contre la coke et que la petite amie en question est une prostitué dont il loue les services pour faire chanter des petites figures locales. Le pub de ses parents, situé dans une des dernières parties d'Edimbourg qui n'ait pas été touchée par la gentrification, est à la limite de la faillite et son seul rêve est de le transformer en sauna érotique.

Pour le pauvre Spud, les années n'ont pas été plus tendres. S'il a un temps réussi à devenir sobre, trouver du boulot dans le bâtiment, épouser Gail et à avoir avec elle un fils, il a tout perdu pour une bête histoire d'heure d'été (encore l'illustration d'un personnage qui passe à côté de son "temps") et a rechuté dans l'héroïne. Pourtant, c'est bien lui qui va finalement être ici le protagoniste de l'histoire, avec son sourire, sa profonde tristesse, son coeur débordant, et surtout ses mots, son absence totale de cynisme. C'est peut être la seule lueur d'espoir, parce que lui a quelque chose de plus: la créativité.



T2 ne pouvait pas échapper aux images de Trainspotting qui, depuis sont devenues de véritables clichés. Il fait donc énormément de références à celui-ci, de manière presque parodique, à la fois nostalgique et désabusée, comme pour la scène d'ouverture. On retrouve, pèle mèle; le monologue, revu et corrigé en 2.0, qui deviendrait presque celui d'un vieux con; la scène de balade au grand air qui tourne en cérémonie à la mémoire de Tommy; une course dans les rues d'Edimbourg, moins athlétique mais pas moins dangereuse que l'originale; la scène de discothèque ou Renton découvrait la musique électronique devient celle où, hébété, il découvre des gamins danser sur "radio gaga" et tourner sa génération en dérision...



Le film ménage quand même de belles scènes inédites, en particulier une très chouette scène d'arnaque ou Renton et Sick Boy s'infiltrent dans une soirée de réformateurs bien butés et doivent improviser un hymne anti-catholique, qui prouve combien l'extrémisme politique s'accompagne rarement d'une forte exigence musicale. C'est sans nul doute la scène la plus drôle du film, un moment où l'on s'amuse réellement, presque sans arrière-goût un peu amer (si ce n'est que la réunion de salopards nous en rappelle des beaucoup moins marrantes).

Le scénario reprend également la trame principale du sujet, la fameuse histoire d'amitié, d'opportunité et de trahison. Mais les rôles s'inversent, et pas au bénéfices des héros. ALERTE SPOILERS
Si Trainspotting délivrait une fin ironique avec un personnage individualiste qui fuyait sa contrée et les siens avec une mallette de billets, là, c'est un personnage qui part avec le magot pour retrouver son pays et son entourage. C'est une note que j'ai trouvée très positive, mais qui ne fait que mettre en contraste d'un côté l'hypocrisie d'une génération aux grands idéaux et aux basses actions, contre celle qui, en apparence arriviste, fait preuve de finalement beaucoup moins de cynisme.

Danny Boyle renoue également avec le style qu'il avait commencé à développer dès Petits Meurtres entre amis. Le problème, c'est que l'audace visuelle que son esthétique représentait à l'époque a depuis été maintes fois reprise, voire contrefaites, et qu'on ne se rend plus compte aujourd'hui de ce qu'elle a de particulier. On retrouve aussi la place primordiale de la musique, mais elle semble elle aussi s'être un peu essoufflée.

Et puis il y a le grand personnage de Trainspotting et T2: Edimbourg. Edimbourg qui ne cesse d'évoluer. Celle qui est aujourd'hui l'une des villes les plus onéreuses outre-manche. Celle qui est passée d'un bassin ouvrier à une ville prisée par les hipsters. Ce n'est pas pour rien que le générique de fin s'attache à nous montrer son changement. On voit les vieilles tours d'habitation qui se détruisent, les bâtiments servant de décor au premier film être démolis. Et c'est le triste symbole d'une nouvelle ère où tout ce qui est incapable de s'adapter est laissé sur le bord de la route, où tout ce qui n'a pas su évoluer au même rythme que la société a peu de chance de survivre, où quand tu rate le bon train, tu n'es jamais sûr d'en voir passer un deuxième et où tu risques de te retrouver coincé sur le quai, avec ta nostalgie.

Et ça m'a fichu un sacré coup. J'ai regardé mes vieilles docs éraflées, aux semelles asymétriques et élimées, mes vieux rêves désenchantées d'ancienne riot grrl et ma petite vie formatée. Et je me suis dit qu'il était désormais temps d'en racheter une nouvelle paire.










samedi 4 mars 2017

Chercher la femme (trouver son nom): La fille inconnue

LA FILLE INCONNUE Photo 1 © Christine Plenus

Grâce au site Cinetrafic, j'ai découvert le dernier film des frères Dardennes, La fille inconnue en DVD.

J'ai une relation très paradoxale avec les frères Dardenne. De manière générale, leurs films me bouleversent. Pour autant, il m'est régulièrement assez difficile de me déplacer au cinéma pour les y voir. Je ne trouve jamais la motivation. Même si je sais que je vais voir un bon film, je n'ai pas le courage d'affronter l'épreuve du réel que propose souvent leurs films, car je sais que j'en sortirai sûrement lessivée, et peut-être un peu déprimée. Je préfère alors me tourner vers des films plus légers, remettant à plus tard la vision de leur film. C'est ainsi que je suis au regret d'avouer n'avoir vu qu'un film d'eux en salles: L'Enfant. Pour les autres, je me suis rabattue sur le DVD, contre ma préférence habituelle à voir un film en salles, et je crois que c'est mieux ainsi: je peux éclater en sanglots tranquille dans mon coin et ne pas imposer ma tronche d'enterrement à la sortie de la salle aux spectateurs contents d'emmener leurs gosses voir un film d'animation et leur rappeler que là, après les portes, c'est la vraie vie et que des fois, la vraie vie, c'est carrément merdique (tu la sens ma bonne humeur?)

Bref, tout ça pour dire que comme à mon habitude, j'avais raté La fille inconnue en salles, mais que dans l'intimité de mon salon, et avec une assiette de madeleines homemade près de la main droite, et un paquet de mouchoirs près de la main gauche (attention à pas inverser, il ne fait bon ni croquer dans un mouchoir, ni se moucher dans une madeleine)  et un autre DVD beaucoup plus gai pas loin (Dyke hard, dont on parlera bientôt), je me sentais fin prête à affronter la vague émotionnelle de ce film.

LA FILLE INCONNUE Photo 3 © Christine Plenus


Autant vous prévenir, il fallait bien cela parce que pour ma part, si j'ai été extrêmement touchée par le film, je dois bien avouer que je n'ai pas réussi à en sortir indemne, ce qui est tout à son honneur.

C'est l'histoire d'un jeune médecin généraliste, Jenny (Adèle Haenel). Elle forme un jeune interne et s'apprête à quitter son cabinet en bordure d'autoroute pour rejoindre un cabinet d'associés plus cossu. Mais un soir, un coup de sonnette se fait entendre au cabinet une heure après la fermeture. Voulant donner une leçon à son élève, elle refuse d'ouvrir. Mais lorsque le lendemain, on vient lui annoncer que la personne qui avait sonné à sa porte est une jeune femme qu'on a retrouvée morte sur un chantier, tout s'écroule, et Jenny doit se remettre en question. Sa rédemption, elle va la trouver dans la quête du simple nom de cette fille inconnue, afin de rendre à ce corps et à sa sépulture, son humanité.

LA FILLE INCONNUE Photo 5 © Christine Plenus

Le film s'ouvre sur une banale scène d'auscultation. Les gestes, quotidiens, répétés, mécaniques d'un médecin qui diagnostique une bronchite. C'est tout bête: un plan séquence qui suit le médecin accompagnant son patient au plus près. Mais ça suffit. On y est. La distance du médecin, l'impression de froideur, mais aussi l'accompagnement. Tout est dans la précision et l'évidence de chaque mouvement, dans cette parole à la fois indifférente et bienveillante. En quelques mots, en quelques gestes, on a face à nous un médecin.

Et dès le départ aussi, on a la fatalité, celle du corps qui va forcément être soumis à des forces qui le dépasse, celle de sa souffrance inéluctable et de sa disparition. Et la répétition des séances nous permet de nous rendre compte de ce qu'on oublie de parfois: qu'une journée dans la vie d'un médecin, c'est une journée à voir des corps et des esprits qui vont mal, à essayer d'alléger cette douleur, à repousser la mort même si l'on sait qu'elle finira par prendre le dessus. Et quand Jenny n'ouvre pas la porte, on la comprend. Après une journée pareille, je me demande si j'aurais moi la motivation de l'ouvrir, cette porte, sans savoir qu'un drame se cache derrière.

LA FILLE INCONNUE Photo 4 © Christine Plenus

Cette Jenny, Adele Haenel l'investit totalement, de manière simple et subtile. Dans un casting de non-professionnel, elle choisit la posture juste, se mettant, tout comme son personnage, avant tout en position d'écoute, bien plus qu'en position de discours ou de représentation. Elle paraît au départ effacée, sa voix semble monocorde, faible. Mais c'est ainsi qu'elle s'empare magnifiquement plus que de son rôle, de sa fonction. Contrairement à certains films où la vedette intégrée à un casting non pro se détache nettement, ici Adèle Haenel sous-joue juste assez pour se fondre dans le tissu du film, mais absorbe totalement son personnage, pour en faire rejaillir la simple humanité, le dévouement à la fois profond et distant. Elle ne fait pas de Jenny une héroïne, mais juste quelqu'un de bien, et c'est bien plus fort.

Comme à leur habitude, les Dardenne signent là un film puissant, parce que la banalité de sa tragédie y est dévoilée simplement, et sans fard. Mais il y a également un beau message humaniste, qui donne de l'espoir. Car cette Fille Inconnue, c'est une histoire de culpabilité portée par toute une communauté qui se transmet comme un virus. Mais c'est surtout une histoire de rédemption. Jenny effectue son expiation par la recherche d'identité de la jeune victime (recherche qui peut être parfois dangereuse, mais dans laquelle elle ne cède jamais à la peur des menaces, ni à la violence). Par là-même, et par son rôle de simple observatrice, elle va libérer la parole des autres et leur donner aussi la possibilité de s'accorder le pardon (on n'est même pas loin d'une figure christique).

LA FILLE INCONNUE Photo 6 © Christine Plenus


Le dvd

Sorti le 21 février et édité par Diaphana, le DVD propose une belle qualité d'image et surtout de son (avec la possibilité d'accéder au 5.1. Il propose aussi une version en audiodescription.
Peu de bonus: la bande -annonce et un entretien assez intéressante, même si plutôt court, avec les Dardenne.

Sur leur site,  vous trouverez également tous les films recommandés sur Cinétrafic et un classement des meilleurs films de 2017 mis à jour régulièrement par ici.


mardi 28 février 2017

Le cinéclub de Potzina de février: mes films de chevet

Pour le ciné-club de Potzina, ce mois de février, le blog The Movie Freak nous avait proposé un thème pas évident de premier abord: Film(s) de chevet. Je me suis triturée la tête pendant tout le mois pour me demander ce que j'allais vous présenter: un ou plusieurs films. Et puis finalement, je n'ai pas pu choisir, alors j'ai tout mis. Donc, contrairement à mon habitude, on va faire très court sur chaque film, pas d'analyse, juste une liste non exhaustive des films que je vois régulièrement, en espérant avoir pour chacun, un jour, la possibilité d'écrire un article complet.

Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook.

Certaines personnes ressentent le besoin d'avoir une pharmacie bien remplie en cas de besoin. Moi, en cas de coups, durs, j'ai une DVDthèque bien pleine, et c'est là qu'on va trouver mes films de chevet.

On parle souvent de feel-good movies, et y'a rien de plus vrai. J'en ai au moins un pour chaque symptôme, pour chaque bobo. Voilà donc ma prescription. Ici, pas de produits bio et naturel, pas de recette de grand mère, que de la chimie à base de chlorure d'argent, à prendre en voie optique et auditive, à répétition jusqu'à disparition des symptômes.

1. Un coup de mou? Le traitement multivitaminé pour se rebooster: le film musical rock

Les films musicaux rock tiennent une place très importante dans ma filmothèque. D'abord parce que c'est probablement la musique que je préfère écouter, et que ce sont des films que je vois, revois et rerevois depuis mon adolescence. Je connais bon nombre des chansons par coeur et n'hésite pas à les chanter à tue-tête pour un gros effet énergétique.

Phantom of the paradise, Brian de Palma
Je ne m'étendrai pas sur ce film, je l'ai déjà fait ici lors de sa sortie au cinéma.

Waynes World, Penelope Spheeris
J'ai pas dû le revoir depuis au moins 3 ans, mais je l'ai vu tellement de fois auparavant qu'il n'est pas encore nécessaire de faire un check-up. Film générationnel et culte, je crois qu'au moins 15 % de mes conversations dans mes années lycées provenaient directement des répliques. C'est bébête, ça a pas super bien vieilli, mais c'est confort comme un t-shirt d'Iron Maiden et qu'est-ce que vous voulez "J'aime taper".

School of rock, Richard Linklater
C'est drôle, c'est enlevé, c'est émouvant, c'est le film parfait pour donner la pèche, avec des gamins qui envoient du bois, Joan Cusack qui chante Edge of seventeen. Et puis surtout Jack Black qui joue des sourcils, qui en fait trop mais tellement bien, et Immigrant song de Led Zep. Le mix idéal entre le film de rock, le film familial et la grosse comédie

Spinal tap,  Rob Reiner
Un hilarant rockumenteur cultissime dans lequel un groupe de Heavy Metal un peu has been part en tournée. A regarder avec le volume à 11.



2. Une grosse déprime? De la grosse comédie qui tache

Si ça ne va vraiment pas, c'est pas la peine d'y aller par 4 chemins: exit la subtilité, et vive les armes lourdes.

Zoolander, Ben Stiller
Je ne m'étend pas beaucoup non plus, parce que j'en ai beaucoup dit ici. Sachez simplement que ces effets bénéfiques sont aussi visibles avec les autres films avec et/ou de Ben Stiller, comme Tonnerre sous les tropiques et Dodgeball.

Anchorman, Adam Mc Kay
Dans les années 70, un présentateur de journal TV local complètement débile se fait voler la vedette par une femme. C'est complètement con, c'est divinement grossier et c'est à se pisser dessus. Fonctionne aussi avec les autres produits génériques contenant le principe hyperactif Will Ferrell comme Frangins malgré eux ou La Casa de Mi Madre.




3. La mélancolie? Un comédie douce amère

Je préconiserai les suivantes:
- Ghost World, Terry Zwigoff
Sur ce que c'est de devenir adulte dans une petite ville à moitié morte. Un très joli film issu de la BD éponyme, un des premiers rôles de Scarlett Johansson (avant qu'elle se prenne pour une sous Michelle Yeoh), Steve Buscemi impeccable, et une très touchante Thora Birch (qu'est-ce qu'elle devient, d'ailleurs, Thora Birch?)

- Ca tourne à Manhattan, Tom Di Cillo
On reste avec Steve Buscemi sur le tournage d'un film indé à petit budget. C'est drôle, c'est féroce, et y'a la plus chouette scène de remise de prix au monde. Un des premiers rôles de Peter Dinklage où il remporte la palme des plus belles répliques et une belle prestation de Catherine Keener.

- Fallen Angels/Chungking Express, Wong Kar Wai
Impossible de choisir entre ces deux films chorales, qui parlent de l'amour et de ses questions de timing, sur un registre en apparence léger, mais à la tendre amertume. Ma période favorite du Maître.

- L'été de Kikujiro, Takeshi Kitano
Le délice d'une histoire d'amitié entre un yakusa bourru et un gamin esseulé. Le film le plus mimi de Kitano.


4. Un chagrin d'amour (Putain, ça fait mal)
a. C'est récent et vous avez envie de pleurer un bon coup

In the mood for love, Wong Kar Wai
Et oui, c'est le troisième WKW de la liste, mais on ne dira jamais assez de bien de la médecine chinoise. Toujours pour dire que l'amour est une histoire de timing, une des plus belles romances impossible qu'on ait vu au ciné. C'est triste, mais c'est magnifique et ça soigne un coeur brisé.

Ma vie sans moi, Isabel Coixet
Un excellent mélo sur une jeune femme atteinte d'un cancer qui va faire une to do list d'avant décès. C'est déchirant, mais merveilleux. Et puis y'a Mark Ruffalo sexy en diable (team midinette de retour), et une Sarah Polley très touchante. La madeleine d'or de Girlie Cinéphilie, rapport aux hectolitres de larmes versées devant ce film.

b. Vous avez envie d'y croire encore

J'me sens pas belle, Bernard Jeanjean
Un petit film qui paye pas de mine, mais une comédie romantique en huis clos drôle et émouvante, avec un couple de comédiens (Marina Foïs et le mimi Julien Boisselier) surprenant.


5. La monotonie conjugale

Pour remettre un peu de peps dans un couple éprouvé par le quotidien, rien de tel qu'une comédie romantique enlevée. Personnellement, j'ai un gros faible pour le délicieux couple de cinéma Doris Day/ Rock Hudson dont la complicité crève l'écran. C'est drôle, pêchu et légèrement gonflé. Un vrai bonheur, encore plus à deux:

Confidences sur l'oreiller, Michael Gordon
Sur une décoratrice et un compositeur qui ont le malheur de partager la même ligne téléphonique.

Un pyjama pour deux, Delbert Mann
Sur 2 publicitaires concurrents qui vont se détester puis s'aimer



6. La pression familiale

Un air de famille, Cédric Klapish
Des dialogues cultes, le meilleur des Jaoui/Bacri, et une famille qui ressemble à la nôtre.

Taste of tea, Ishii Katsuhito
Un film tout simplement adorable sur une famille de rêveur et d'originaux. Des images merveilleuses et le tube dangereux "Yamayo" (Pourquoi dangereux? Ecoutez le une fois, vous comprendrez)



7 Le vieillissement prématuré
Rien de tel qu'un bain de jouvence avec les films qui m'ont le plus éclaté étant gamine

Un jour sans fin, Harold Ramis
Un film doudou par excellence j'en avais déjà parlé ici

Les valeurs de la famille Adams, Barry Sonnenfeld
Encore meilleur que La famille Adams, les dialogues sont délicieux, tout le monde a l'air de s'amuser comme des fous avec l'arrivée d'un nouveau bébé et d'une bien étrange nounou.



8. Besoin de faire du sport

- Danser avec Chantons sous la pluie de Stanley Donen et Gene Kelly
On fait pas plus classique, mais c'est pas pour rien. On ne rappellera jamais assez à quel point ce film situé à Hollywood à l'arrivée du parlant est euphorisant.

- S'exercer aux arts martiaux avec Drunken master de Yuen Wo Ping, où un tout jeune Jacky Chan apprend la technique de l'homme saoûl, ou Histoires de fantômes chinois, de Tsui Hark, où le beau Leslie Cheung va faire rimer mandale et érotisme fatal.


9. Affronter ses peurs

Rien ne vaut pour surmonter ses angoisses que de s'y confronter, de manière fictive si possible.

La peur du futur
J'ai très peur de l'avenir, alors je m'entoure de film qui assouvissent mes pires craintes; la peur des intelligences artificielles, avec Ghost in the shell, de Mamoru Oshii, des mondes virtuels avec le splendide Avalon du même auteur ou le sous-estimé Strange days de Kathryn Bigelow, de la malbouffe, avec le terrifiant Soleil vert.




La peur des monstres
The thing, de John Carpenter et son horrible créatures des glaces ou un bon vieux zombie dans le film du même nom de Georges Romero (qui fonctionne aussi si on a peur de la société de consommation).

La peur des sorcières
Suspiria, le chef d'oeuvre de Dario Argento continue de me terroriser par son incroyable bande-son et sa beauté formelle.

La peur des piafs
Les oiseaux, d'Hitchcock, est probablement à l'origine de cette peur dont je me suis débarrassée rapidement. Mais je le regarde donc assez souvent pour être sûre de l'avoir bien exorcisée.



10. l'Insensibilité
 Cela peut être vite réglé avec 2 films qui sont au summum de la beauté et ont comme points communs un sublime traitement de l'image noir et blanc, et une barque sur l'eau. Attention, chez certains patients, cela peut créer un sérieux syndrôme de Stendhal.

Dead Man, Jim Jarmush
Un voyage noir et cruel dans l'Ouest américain, rythmé par les riffs lancinants de Neil Young et la poésie de William Blake

La nuit du chasseur, Charles Laughton
Un conte effrayant où deux enfants sont menacés par un abominable pasteur repris de justice. Un chef d'oeuvre jamais égalé.



Voilà, ça c'est la prescription pour mes petites maladies chroniques, tout prêt de mon chevet. Mais si vous souffrez d'autre maux, n'en doutez pas, il y a un film pour vous.

dimanche 19 février 2017

Le clash des comédies musicales: La la land vs Tous en scène

Je ne sais pas si c'est le besoin de printemps qui se fait sentir, l'envie profonde de légèreté et de bonne humeur, mais après une certaine période d'absence, on dirait bien que c'est le retour des comédies musicales. Généralement, quand on me dit "comédie musicale", je me fais pas trop prier, et là, je vous en met une bonne couche avec deux films qui semblent à des années-lumière l'un de l'autre a priori, mais qui, à mon avis, mérite vraiment qu'on en parlent ensemble, qu'on les compare, parce qu'ils abordent des thèmes assez similaires mais de manière différente: le dernier né d' Illumination Entertainment (mais si, vous savez, Moi moche et méchant, c'est eux!, avec le studioMac Guff, cocorico!), Tous en scène de Garth Jenning et celui qu'on ne présente plus La la land de Damien Chazelle. Et puis je me suis dit, tant qu'à les comparer, on va se faire une petite battle des familles. Comme d'hab, c'est MA battle: elle ne reflète que mes impressions à la vue de ces deux films. Mais  je dois avant tout dire une chose: je prends toujours un très grand plaisir à voir des films musicaux, alors j'espère que c'est pas juste pour le début d'année, et qu'on en aura plein d'autres par la suite, parce qu'il n'y a rien de mieux que de sortir d'une séance de cinéma en ayant envie de chanter.

1. Pourquoi j'y suis allée (en dehors de l'argument "comédie musicale" qui, clairement, fait la moitié du taf





Tous en scène
La la Land
Un film d’animation c’est déjà un bon point. Un film Illumination, c’en est un supplémentaire: j’aime leur humour, le parti-pris un peu fou-fou de leurs scénarii, et comme il va falloir attendre encore un peu de temps pour le nouveau Moi, moche et méchants (dont la bande-annonce me fait déjà tordre de rire), c’était une bonne façon de patienter.
Rajoutons à cela l’idée du télécrochet, et je n’avais vraiment pas besoin de plus pour y aller. J’avais déjà une jolie petite promesse: un bon petit film d’animation feel-good, un bon moment. Probablement pas plus, mais le truc idéal si on a pas envie de se prendre le chou. Et au moment où j’ai décidé d’aller le voir, c’est exactement ce qu’il me fallait.
Ben là, je dois dire que c’était bien plus compliqué.
Je me suis longtemps tatée avant d’y aller, parce que j’étais partagée entre 2 sentiments contractoires:
      Un a-priori, je dois l’avouer, plutôt négatif pour Damien Chazelle. Si vous avez lu ma chronique sur Whiplash, vous savez pourquoi: c’est ni plus ni moins qu’un des rares films pour lesquels j’ai ressenti une véritable aversion, en dépit de ses réelles qualités.
      Un très grand a-priori positif pour Emma Stone. J’adore cette fille. Je ne sais pas si ce sont ces yeux immenses, ce peps magique, ce côté “Girl next door” sans être banale, avec un supplément humour, cette voix joliment éraillée, mais elle me communique sympathie immédiate, même dans des films pour lesquels je n’en ai pas forcément beaucoup. Bref, je n’ai eu besoin que du clip de Will Butler pour savoir qu’elle serait parfaite dans une comédie musicale.
Ajoutez à cela tout ce qui a déjà été dit, généralement en bien, mais qui me donnait, suivant mon humeur, autant envie d’y courir que de le fuir, j’ai finalement opté pour le “je suis trop curieuse de savoir ce que ça donne, j’y vais”
Au mieux, je me réconciliais avec Damien Chazelle. Au pire, je voyais Emma Stone dans des jolies robes.

Verdict: D'un côté, l'assurance de passer un bon moment. De l'autre, le saut dans le vide: ou je suis surprise agréablement, ou je suis terriblement déçue. Entre le confort et l'audace, difficile de choisir, un point partout.



2. La scène d'ouverture




Tous en scène
La la Land
Une scène de théâtre. Une brebis majestueuse monte divinement un escalier de carton pâte et entonne (avec la voix de Jennifer Hudson) une merveille absolue: Golden slumbers des Beatles. Ca ne vaut évidemment pas la version originale qu’on trouve sur Abbey Road, mais chez moi, l’effet de surprise a été immédiat et lacrymal (oui, je crains du boudin). La caméra quitte la scène, embrasse la foule et vient doucement se focaliser sur un petit koala, qui, les yeux et la bouche grands ouverts, découvre son premier spectacle et par là-même sa vocation sur les genoux de son papa. C’est nostalgique, d’une simplicité confondante et c’est diablement émouvant.
Je suis dedans.
Ca a été déjà dit, et bien dit. La scène d’ouverture de La la land est incroyablement spectaculaire et donne vraiment envie de voir la suite. D’un côté une formidable scène de comédie musicale dans un bouchon à Los Angeles, pleine de peps, de zazz et shebam pow blop wizz! C’est entraînant, plutôt bien chorégraphié, joyeux et colorés. De l’autre, un défi technique brillamment relevé: un plan-séquence millimétré, flamboyant et virevoltant.
A couper le souffle et terriblement efficace.
Je suis dedans aussi.



Verdict: C'est très difficile de choisir, parce que dans les deux cas, ce sont deux superbes scènes. Tous en scène l'emporte de justesse, juste parce que Paulo Mc Cartney.



3. Les personnages


Tous en scène
La la Land
Comme souvent dans les films d’animation, surtout parce qu’ils sont si longs et chers à produire, y’a rien à jeter. Chaque personnage a sa fonction, et son vrai caractère.Le koala directeur de salle au bagou prononcé, escroc mais pas trop, l’ado éléphante à la voix d’or, maladivement timide, d’autant plus qu’elle a une pression familiale d’une lourdeur pachydermique, la jeune rebelle porc-epic qui a des peines de coeur, la truie mère au foyer qui rêve de s’échapper de son quotidien pas jouasse, son coéquipier diva teutonne du dancefloor, une souris crooner aussi pro que désagréable, un jeune gorille aux vocalises stupéfiantes dont le père gangster est bien décidé à le voir prendre part à ses activités criminelles.
Là où l’écriture des personnages est formidable, c’est qu’on arrive à nous les faire aimer tous, malgré leurs défauts, et peut-être même à cause d’eux, sans chercher à leur trouver des excuses. Buster Moon, le koala, peut se montrer tout à fait odieux avec les participants du concours de chant, il ment, il veut absolument transformer Ash la Porc-épic en ballerine, mais parce qu’il a un rêve qu’il a un rêve, la nostalgie d’un père qui s’est sacrifié, la volonté du  “Show must go on”, on ne peut s’empêcher de l’apprécier. Pire, Mike, la souris, a un melon pas possible, il ne pense qu’à lui, il est tricheur et de mauvaise foi, en fait et en y réfléchissant bien, il ferait même penser au Sébastien de La la Land. Mais je ne sais pas pourquoi, c’est peut être son humour dévastateur, sa malice et son ingéniosité à se sortir de tous les coups foireux, la satanée souris parvient quand même à nous mettre dans sa poche.
Ajoutez à cela de savoureux personnages secondaire comme Eddie, le mouton slacker richissime qui vit dans l’annexe de ses parents et passe ses journées sur sa console de jeu ou sa grand mère Nana, très collet-montée, et surtout, surtout, Miss Crawley (peut être un personnage de Downton Abbey qui aurait mal vieillit), un caméléon à l’oeil de verre vagabond qui est tout simplement la trouvaille comique du film: chacune de ses apparitions est hilarante. Pas étonnant que le réalisateur, Garth Jennings, se soit gardé le privilège d’en faire la voix!
Là, ça se gâte sévèrement.
J’ai été très déçue par l’écriture des deux personnages principaux, Sebastien et Mia. Je les ai trouvé terriblement creux.
Disons-le tout de suite, cela n’a rien à voir avec l’interprétation des comédiens: Ryan Gosling fait ce qu’il peut pour rendre charmant un personnage que je trouve personnellement insupportable de pédanterie et Emma Stone est une parfaite….. Emma Stone. Elle est fascinante à regarder, elle donne de véritables leçon de comédie (la scène de l’audition est une masterclass), elle est belle, elle est drôle (son lipsynch 80’s est presque aussi bedonnante que le mythique qu’elle a fait chez Jimmy Fallon), elle irradie tout sur son passage. Bref, elle est merveilleuse. Mais le problème est qu’elle n’est “que” Emma Stone.
On a l’impression que Damien Chazelle a écrit ce rôle qu’en fonction de son interprète, fasciné par la demoiselle, mais que du coup, il a complètement oublié de lui donner de la profondeur.
Des deux amoureux, on ne devine presque rien. En dehors de leur passion pour leur art, ils n’existent quasiment pas et ne semblent être plus des fonctions, des porteurs de messages que de réels personnages. Ils ne sont que deux egos uniquement focalisés sur la réalisation de leurs projets. La grosse dispute du film tourne d'ailleurs finalement à un affrontement autocentré au possible qui s'arrête à "t'es jaloux/se de ma carrière".
Je ne parle même pas des personnages secondaires. On arrive à faire de Johnny Legend (Johnny Legend, quoi, crotte!) un mec sirupeux en col roulé qui veut détruire le bon vieux jazz de papa. Quant aux autres, ils font juste partie du décor, ils n’existent pas plus que les fonds peints et le carton-pâte. Je trouve ça à la limite de l’affligeant. Je vois bien qu’il y a un discours sur l’artificialité d’Hollywood, mais je trouve que faire un film peuplé de figures vides n’est pas la meilleure façon de le montrer.
En oui, je vais encore enfourcher mon cheval de bataille favori, mais Damien Chazelle est sûrement un excellent réalisateur, mais il aurait beaucoup à gagner en faisant dégonfler son égo qui a l’air d’être aussi généreux que celui de son personnage masculin, et en se faisant aider par un véritable scénariste, qui lui apprenne ce que sont des personnages solides, et de véritables conflits.


Verdict:
Indéniablement, il y a plus de travail de psychologie et d'écriture dans n'importe quel personnage de Tous en Scène que dans l'ensemble de La La Land.


4. La musique


Tous en scène
La la Land
Hormis Golden Slumbers dont je vous rabattrai bien les oreilles, qui représente généralement la nostalgie de Buster Moon, on a droit, dans l'ensemble à un pot-pourri pop de bon aloi, allant d'Elton John à Taylor Swift en passant par Stevie Wonder. Bonne nouvelle: les comédiens doubleurs sont aussi les chanteurs, et si l'on savait que Reese Witherspoon et Scarlet Johanson ou la chanteuse Tori Kelly avaient un beau talent vocal, je ne m'attendais pas à ce que Taron Egerton (le jeune espion de Kingsman) me sorte un vibrato de malade en mode king kong. C'est bien foutu, ça convient parfaitement à chaque personnage, rien à dire
Là, je dois dire qu'il y a du level. Que Chazelle touchait sa bille en jazz, on le savait déjà. Mais la bande-son de Justin Hurwitz est tout bonnement parfaite.  
Les deux interprètes sont très bons, même s'il n'y a pas de prouesses vocales comparables à celles de Tous en scène. Mais l'ensemble est tout à fait merveilleux: c'est joyeux, bien écrit, ça donne envie de danser, c'est émouvant. Pour moi, c'est l'énorme point fort du film

Verdict: Sur ce point là, et si j'excepte les Beatles, je suis heureuse de donner l'avantage à La La Land.




5. Les références et la comparaison


Tous en scène
La la Land
Les références de Tous en scène sont nombreuses et très variées.
D’un côté, on a la référence contemporaine très proche de la jeune génération visée par le film: le concours de chant, qu’on voit et revoit à travers un nombre incroyable de show télévisés. On pourrait craindre que le film se base uniquement là-dessus, mais le scénario est assez bien fichu pour s’en acquitter très bien, et assez rapidement. C’est une formidable parodie de tout ce qu’il y a de plus cruel et de plus vil dans ce genre de show, mais aussi de tout le rêve que ça charrie: celui de passer du jour au lendemain de l’ombre à la lumière, et devenir en quelques notes de musique une star. Contrairement à son opposant, le film ne s’arrête pas à cela, et lorgne en fait du côté d’un genre qui a largement fait ses preuves dans les films dédiés au spectacle.
Le genre en question, c’est celui que je qualifierai “projet collectif”. Vous savez: un projet fou, qui semble irréalisable et qu’un groupe de personnes, mettant  en commun leurs talents, arrive à faire aboutir, ce qui apporte à chacun un accomplissement personnel. C’est la quête du Graal des chevaliers de la Table ronde, détruire l’anneau dans Le Seigneur des anneaux ou gagner un championnat de ballon prisonnier dans Dodgeball, ou, comme ici, monter un spectacle dans Les Muppets ou Full Monty. C’est un genre assez fréquent en animation, parce qu’il permet à chacun de pouvoir s’identifier à un des personnages et de transmettre la jolie morale qui consiste à dire que “l’Union fait la force”. Tous en scène, sans révolutionner le genre, répond à tous les critères qui en font un représentant tout à fait honorable.
Enfin, deci-delà, des références cinématographiques pour les cinéphiles, des films de gangster britanniques (paie-toi l’accent de la bande de gorilles) à la course de King Kong en  passant par l’anti-héros du film noir bien représenté par la souris saxophoniste, il y a des clins d’oeil souvent bien sentis et très amusants.
Les références majeures sont bien entendu, et c’est très appuyé, les comédies musicales hollywoodiennes et les films de Jacques Demy.
Aux premiers, il reprend les chorégraphies, les grandes scènes de studio, le peps, Hollywood bien entendu. Comme dans Chantons sous la pluie, avant de s’aimer, le couple se tire dans les pattes. Comme dans Une étoile est née, on assiste à l’irrésistible ascension d’une artiste. Il y a du technicolor qui pète, des figurants dont on ne sait pas comment ils sont arrivés là et qui se mettent à danser, y’a des couchers de soleil sur les collines de LA.
A Demy, il reprend les tenues colorées des jeunes femmes et le sourire nonchalant des jeunes hommes, le côté jazzy à la Legrand, mais aussi le sentiment de fatalité qu’on peut par exemple retrouver dans Les parapluies de Cherbourg.
Le souci, c’est que contrairement à Tous en scène, les références ne sont pas détournées par la parodie, et sont faites de manière tout à fait sérieuse. De fait, cela nous oblige à comparer La La Land avec les films desquels ils s’inspire. Et malheureusement, on ne peut pas dire qu’il tienne la distance. Si Emma Stone et Ryan Gosling sont charmants et bougent plutôt bien, ce ne sont pas des danseurs pro comme Fred Astaire et Ginger Rogers. Ce ne sont pas non plus des voix éblouissantes comme celles de Judy Garland ou de July Andrews.
Les tenues semblent anachroniques, ça sent un peu la naphtaline et quand cela essaie de devenir moderne (par exemple avec la scène avec incrust au planétarium que j’ai trouvée plutôt moche), ça ne fonctionne pas vraiment. J’ai tendance à penser la même chose que Keith, le personnage que joue Johnny Legend (un peu le “méchant” du film): à quoi bon vouloir refaire absolument ce que des génies avaient fait parfaitement auparavant, sachant que eux, le faisaient alors de manière innovante et mieux? La mort d’un genre ne se situe-t-elle pas justement dans ce figement muséal? Et si, au lieu de lancer un renouveau de la comédie musicale, La La Land en sonnait ainsi le glas? Je n’ai pas de réponse. Je ne fais que m’interroger. Mais c’est quand même dingue que Chazelle lui-même ait choisi de proposer un contre-argument total à son film au sein de celui-ci, comme pour contrer d’emblée les attaques qu’il savait qu’il pourrait recevoir…
Quand au fatalisme face aux Parapluies de Cherbourg, pour moi, la comparaison ne tient pas non plus une seconde. D’un côté, on a une tragédie. De l’autre, un dilemme mineur dont on a bien du mal à mesurer l’enjeu.

Verdict: Là encore, le point va à Tous en scène, parce qu'au lieu d'essayer de reproduire à l'identique et en moins bien les références dont il s'inspire, il essaie d'en faire quelque chose. Si ça n'est pas révolutionnaire, ça reste moderne.


6. Les enjeux


Tous en scène
La la Land
Là où le film est malin, c’est qu’avec une multiplicité de personnages, il y a multiplicité d’enjeux. Il y a un enjeu principal: réussir à monter un spectacle à partir des performances retenues par le concours, malgré des difficultés de plus en plus importantes. Pour Buster Moon, cela veut dire remettre en état un théâtre branlant et par là-même réussir à concrétiser le projet pour lequel son père s’est sacrifié. Pour Rosita, la mère au foyer à la famille très nombreuse, c’est retrouver son statut d’individu et de femme. Pour l’éléphante Meena, c’est combattre sa timidité maladive pour faire enfin entendre sa voix. Pour le gorille Johnny, c’est échapper au déterminisme social qui voudrait qu’il entre dans le gang de papa, quitte à s’attirer le rejet de ce dernier. Pour la souris Mike, c’est montrer à tous qu’il est définitivement le meilleur.
Et c’est cette multiplicité d’enjeux qui fait que la réussite du spectacle est si importante, parce qu’on tremble pour chacun des personnages en cas d’échec (à part Mike, peut-être).
Encore un gros problème au scénario pour moi. J’ai bien eu du mal à identifier les enjeux du film, et le tournant dramatique de la situation. Attention, SPOILERS
Résumons la situation. Les deux personnages ont un rêve. Pour Sébastien, c’est ouvrir un club de jazz mythique. Pour Mia, c’est devenir une actrice reconnue. Mais le couple se déchire parce que l’un des deux doit partir en tournée pour longtemps et que l’autre doit rester à Los Angeles pour présenter un spectacle. Voilà, c’est là que se trouve l’idée de la fatalité, de la tragédie: dans l’idée qu’ils vont devoir se séparer pour réaliser leur rêve. Pourquoi? Ben on sait pas trop, peut être parce que c’est trop compliqué. Mais bon, ils doivent se séparer pour voler de leurs propres ailes qu’on vous dit. Ok. Mais j’ai passé plus de 2h dans une salle pour ça? Pour une histoire d’amour qui part en couille à la première contrariété? Mouais, désolé, mais même moi, Miss Madeleine des salles obscures, j’ai besoin d’un peu plus pour m’émouvoir.

Verdict: Trop facile, Tous en scène.



7. La scène lacrymale

ALERTE SPOILERS

Tous en scène
La la Land
Un koala désabusé laveur de voiture mais à l’oreille aiguisée se laisse guider par la clameur d’une voix sublime chantant Hallelujah de Leonard Cohen dans les décombres d’un théâtre ruiné et y découvre une jeune éléphante qui y chante, un casque vissé sur les oreilles.
La scène signifie beaucoup de chose: la beauté comme seul espoir quand on a touché le fond, la voix si longtemps cachée qui s’exprime enfin, la renaissance et l’envie retrouvée dans la découverte de cette voix, les raisons pour lesquelles on a choisi le métier du spectacle. C’est joli et lacrymalement très efficace.
Ça m’énerve juste un peu que la chanson de Leonard Cohen soit utilisée à toutes les sauces dès qu’on veut transmettre une émotion forte.
La seule chanson en prise directe du film. Un duo au piano entre Mia et Sebastian où on touche enfin à une forme d’authenticité.
Une scène magnifique dont on ne sait pas si elle se joue entre deux acteurs ou deux personnages, mais où, pour une fois cette confusion est troublante et bienvenue.
Je suis contente d’avoir tout de même vu La La Land pour cette seule scène, simple mais véritablement émouvante.

Verdict: La La Land mérite ici amplement le point pour ce moment de grâce.



8. La vision de l'art


Tous en scène
La la Land
La morale de l’histoire, c’est “il faut croire en ses rêves”.
Mais le moyen d’y arriver est ici un moyen collectif. On est clairement dans un schéma où la réalisation des projets de tous, c’est l’accomplissement de chacun.
Comme très souvent dans les films destinés à un jeune public, on essaie de valoriser le “travailler ensemble”, l’action de chacun qui complète l’oeuvre commune et on n’avance pas “contre” ou “malgré les autres”, mais avec.
La morale de l’histoire, c’est “il faut croire en ses rêves.”
Mais le moyen d’y arriver est ici individuel. C’est déjà ce que je reprochais au terrifiant Whiplash. L’artiste est un être supérieur qui doit se détacher du groupe, des autres pour créer. Mia ne trouve sa voie que dans un one woman show, et quand on lui propose de faire un film sur son unique personnalité (ce qui ressemble beaucoup à une certaine comédie musicale). Sébastien s’étiole dès qu’il se retrouve en groupe et est contraint à accepter les pires humiliations.
La seule manière d’avancer est “contre” les autres. La seule façon d’atteindre son but est de se libérer de toute attache à l’autre.

Verdict: Je l'ai dit plusieurs fois sur ce blog, et je vais me répéter, mais j'ai un immense amour pour le cinéma parce que je le considère comme une oeuvre collective. Et j'ai toujours tendance à avoir un profond respect pour les gens qui le voient et le façonnent comme tel. C'est une vision tout à fait personnelle mais je ne suis plus une grande amatrice de l'image de l'artiste comme forcément solitaire et maudit, dont l'oeuvre serait donc plus forte et caractéristique parce que personnelle. Elle avait beaucoup d'attrait pour moi lorsque j'étais jeune, jusqu'à ce que je comprenne qu'un bon réalisateur ne suffisait pas à faire un bon film. Qu'il fallait qu'il soit également accompagné d'un ou de plusieurs bons scénaristes, d'un bon chef op, d'un bon monteur, d'une belle équipe technique et d'excellents acteurs. Je pense qu'il y a quelques décennies, j'aurais probablement été très séduite par les héros de La La Land et leur côté "artistes rebelles". Aujourd'hui, rien ne vaut pour moi l'énergie collective des héros de Tous en scène, leur joie, leur partage, leur réussite qui semble si modeste (pas d'argent, ni de gloire à la clé), mais qui rayonne sur chacun. Peut-être que je me fais vieille, ou peut-être que je me fais sage, mais je suis heureuse de me faire positive.